Albert Baronian


Curated by Laurence Dujardyn

17 May 2013 — 13 July 2013

Rue Isidore Verheyden 2

Sam Falls

Sean Kennedy

Ry Rocklen

Amanda Ross-Ho

Asha Schechter

Galerie Albert Baronian is pleased to present Stand-in, a group exhibition that brings together the work of Los Angeles based artists Sam Falls, Sean Kennedy, Ry Rocklen, Amanda Ross-Ho and Asha Schechter.

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Tuesday — Saturday 12 — 6 PM Rue Isidore Verheyden 2 1050 Brussels, Belgium +32 (0)2 512 92 95

Press Release


17 May 2013 — 13 July 2013

Galerie Albert Baronian is pleased to present Stand-in, a group exhibition that brings together the work of Los Angeles based artists Sam Falls, Sean Kennedy, Ry Rocklen, Amanda Ross-Ho and Asha Schechter.

The exhibition will focus on current modes of image making and how these are translated into sculpture, painting and other means of expression. The works presented here are interested in how the photographic processes, both digital and analogue, are related to materiality and how this can create a dissonance between image and material. They investigate how pictures can function as stand-ins for our physical surroundings and alienate the viewer from an image, with the multiplication of information that is simultaneously transmitted and received.

The proliferation of image production and consumption is changing the way we experience every aspect of life, altering our perception and understanding of everyday reality. According to Michel de Certeau in “The Practice of Everyday Life”, the mere consumption of images turns into a re-appropriation of objects, images and ideas and produces a constantly changing bricolage of practices that shape daily life. Thus consumption becomes a potentially subversive or even treacherous tactic of selection and combination: images are sourced and used because of the interest in their representations of something specific and their own indexical history. The title “Stand-in” not only refers to its meaning as a surrogate for something but also brings up the idea of the body double or the substitute for a motion-picture performer during dangerous scenes.

In Sean Kennedy’s works the translation from object to image and material to information is effected by his use of overhead space. An agglomeration of elements is put on top of two framed clear acrylic glass panels that hang overhead between ceiling and floor, creating a picture-like effect. The objects are arranged according to a meticulous scheme forming a tableau. This reveals the artists’ interest in how space is organized and how by putting them out of reach, objects can become representations of themselves and turn into props. As such the glass surfaces are transformed into many different things: window, tabletop, storefront, basketball backboard, shelf – focusing on their storage and display function. By using a flat horizontal plane, a certain democracy between the elements is produced, while establishing a relationship with photography, scanning, drawings and painting.

Out of Ry Rocklen’s interest in mundane objects and their formal familiarity arose two new sculptures and one wall-based work. With Amalia’s Ladder the artist transformed a high resolution photograph of a ladder into a three-dimensional object, while keeping the two-dimensional nature of the image intact. This results in a graceful and somewhat theatrical and absurd sculptural work which is stripped of its purpose and familiarity. For a second work, Rocklen found a blue carpet with a picture of a moon, fibreglassed and covered it with bathroom mosaic tiles reflecting the original colours and image. Similarly the artist covered a crewel embroidery depicting Van Gogh’s sunflowers with copper and gold plating, while adding his signature next to that of the artisan and the original artist. With a permissive attitude towards abandoned debris or kitsch and by adding a seductive touch of bling, the artist gives them a new life in a different realm.

Asha Schechter is interested in how the form and content of an image delimit its consumption and lifespan. The visual landscape of Los Angeles continually shifts together with the increasing availability of stock images and cheaper production. Today we incessantly digest multiple images at once in the real and virtual world. This simultaneity is echoed in Schechter’s works, which consist of different layers taken from various cultural and material sources. This is visible in his series of newsprint works where textile patterns, referencing specific brands, fabrics and subcultures, are printed onto his community newspaper, The Park La Brea News. The dual planes intermingle content, by confusing background and foreground while expanding the meaning of both. In the three large-scale prints on view scans of fabric are combined with stock 3-D models typically used for commercial purposes as in video games and advertising. The juxtaposition of real and synthetic materials mirrors the construction of visual culture at present, but rather than cloaking it in naturalized artifice, these works bring the tension between them to the surface.

Sam Falls’ work often starts out of a photographic investigation in order to bridge the distance between different mediums and techniques, such as painting and sculpture. In a new body of work, Falls is using planting pots to further exploit his interest in abstract representation, the intersection of colour and exploitation of materials. For instance, in Untitled (Pots, Blue 3) pots are arranges in a still-life photograph, covered with circular print patterns made by applying paint on the edges of the pots and stamping them onto the image. The pots that are depicted translate into a sculpture, eventually spray painted into bright colours, while the drop cloths – which are remnants of the process of painting and making the sculptures – turn into beautiful abstract fabric works, of which two are included in the exhibition. For Sam Falls the focus is not on what is in the picture (nor even in reality), but what it is that the viewer is looking at and how one can come up with one’s own reading which is considered as valid as the artists’ intention. The question these works raise, beyond a medium’s ability to represent an object or idea, is a question of perception itself and how we relate today to photography and painting.

In her practice Amanda Ross-Ho uses a wide variety of forms as vehicles through which a rigorous investigation of visual language is embedded. Her work unites seemingly oppositional languages and spaces: autobiographical artefacts are elaborated for formal qualities while traces and residues from studio and gallery practice are recreated as deliberate gestures. In many of her works visual translations and shifts of scale and time appear. This happens with Untitled Centerfold (CAMERA AUSTRIA ), which was originally produced as a print layout for the magazine Camera Austria, as a part of a portfolio curated by Sharon Lockhart. The images traffic on elements of photography, more specifically the relationship of the artist to the medium via her family autobiography and her personal history in performative gesture. Subsequently the layout was realized as a full-scale architectural work – the Centerfold. The second work of Ross-Ho on show, Untitled Hole #2 (Don’t Front), was first realized as a part of an installation for the Bellwether gallery, NY. Initially developed for a spread in the accompanying exhibition catalog, the composition was then translated exactly to scale in the exhibition space. The photograph itself is an image originally shot within an installation where Ross-Ho cut five core samples out of the sheetrock of the exhibition space and used these to construct a box in the middle of the room. The resulting holes function as a two-dimensional presentation, furthering a discussion of the push and pull of dimensionality, consumption, economy and loss.


Tuesday — Saturday 12 — 6 PM Rue Isidore Verheyden 2 1050 Brussels, Belgium +32 (0)2 512 92 95

Communiqué de presse


17 mai 2013 — 13 juillet 2013

Albert Baronian a le plaisir de vous présenter Stand-in, une exposition collective qui est curaté par Laurence Dujardyn et qui rassemble les œuvres d’artistes basés à Los Angeles, tels que Sam Falls, Sean Kennedy, Ry Rocklen, Amanda Ross-Ho et Asha Schechter.

L’exposition se concentrera sur les modes actuels de création d’images et la manière dont ceux-ci se traduisent dans la sculpture, la peinture et d’autres moyens d’expression. Les œuvres présentées ici s’intéressent à la manière dont les procédés photographiques, qu’ils soient numériques ou analogues, sont en lien avec la matérialité et la dissonance que cela peut engendrer entre l’image et la matière. Elle analyse la manière dont les images peuvent fonctionner en tant que « doublures » de notre environnement physique et arrive à aliéner le spectateur d’une image du fait de la multiplication des informations simultanément transmises et reçues.

La prolifération de la production et de la consommation d’images modifie la manière dont nous ressentons chaque aspect de la vie, changeant notre perception et notre compréhension de notre réalité quotidienne. Selon Michel de Certeau dans « The Practice of Everyday Life », le simple fait de consommer des images se transforme en une réappropriation des objets, images et idées produisant un bricolage sans cesse mouvant des pratiques qui façonnent notre vie de tous les jours. La consommation peut ainsi devenir une tactique subversive, voire perfide, de sélections et de combinaisons : les images sont puisées et utilisées en fonction de l’intérêt ressenti par rapport à leur représentation de quelque chose de spécifique et de leur propre histoire indiciaire. Le titre « Stand-in » ne fait pas uniquement référence à sa signification de substitut pour autre chose, mais renvoie aussi aux cascadeurs qui prennent la place des acteurs dans les scènes dangereuses des films (doublures).

Dans les œuvres de Sean Kennedy, la traduction de l’objet en image et du matériel en informations s’effectue par son utilisation de l’espace en hauteur. Une agglomération d’éléments est placée au-dessus de deux plaques de verre transparent en acrylique suspendues entre le sol et le plafond, créant un effet d’image. Les objets sont placés selon un système méticuleux constituant un tableau. Cela révèle l’intérêt de l’artiste pour la manière dont l’espace est organisé et dont les objets, lorsqu’ils sont mis hors de portée, peuvent devenir leur propre représentation et se transformer en décors. Les surfaces en verre sont transformées de différentes manières : une fenêtre, le dessus d’une table, la vitrine d’un magasin, un panier de basket, une étagère, … le tout en mettant l’accent sur leur fonction de rangement et d’exposition. L’utilisation d’un plan horizontal permet de créer une certaine démocratie entre les éléments tout en établissant une relation avec la photographie, les scans, les dessins et la peinture.

L’intérêt de Ry Rocklen pour les objets banals et leur familiarité formelle a donné lieu à deux nouvelles sculptures et a une œuvre ayant pour base un mur. Analia’s Ladder permet à l’artiste de transformer la photo de haute résolution d’une échelle en un objet tridimensionnel tout en préservant la nature bidimensionnelle de l’image. Cela donne une œuvre sculpturale gracieuse, quelque peu théâtrale et absurde, dépourvue de son objet et de sa familiarité. Dans une deuxième œuvre, Rocklen a trouvé un tapis bleu avec la photo d’une lune, il l’a stratifié et ensuite, recouvert d’une mosaïque de salle de bains en respectant les couleurs et l’image d’origine. De même, l’artiste a recouvert une broderie représentant les tournesols de Van Gogh de cuivre et d’or, tout en ajoutant sa signature à côté de celle de l’artisan et de celle de l’artiste original. L’attitude tolérante de l’artiste à l’égard de débris abandonnés ou kitsch et l’ajout d’une pincée de séduction tape-à-l’œil, leur donne une nouvelle vie dans un différent royaume.

Asha Schechter s’intéresse à la manière dont la forme et le contenu d’une image délimitent sa consommation et sa durée de vie. Le paysage visuel de Los Angeles se déplace sans cesse avec un nombre de plus en plus important d’images d’archives disponibles et de production bon marché. De nos jours nous digérons en permanence de nombreuses images à la fois dans le monde réel et dans le monde virtuel. C’est cette simultanéité que l’on retrouve dans l’œuvre de Schechter’s qui consiste en différentes couches prises de diverses sources culturelles et matérielles. Cela se voit dans ses séries d’œuvre en papier journal sur lesquels des motifs textiles, faisant référence à des marques, étoffes et sous-cultures spécifiques sont imprimés sur son journal local «The Park La Brea News ». Le contenu des plans doubles se mélange, avant et arrière plan se confondent, tandis que leur signification respective s’accroît. Dans les trois images de grand format que l’on voit, des scans d’étoffe sont combinés avec des modèles bruts 3-D, tels que ceux qu’on utilise à des fins commerciales, dans les jeux vidéo et la publicité. Cette juxtaposition de matière véritable et synthétique reflète la construction de la culture visuelle contemporaine, mais plutôt que de la masquer dans un artifice naturalisé, ces œuvres font remonter à la surface la tension entre ces deux éléments.

L’œuvre de Sam Falls part souvent d’une investigation photographique qui permet de franchir la distance entre les différents moyens et techniques, tels que la peinture et la sculpture. Dans une nouvelle création, Falls utilise des pots de fleur pour continuer d’exploiter son intérêt pour la représentation abstraite, l’intersection des couleurs et l’exploitation des matières. Ainsi, dans Untitled (Pots, Blue 3) les pots sont disposés dans une photographie de nature morte, recouverte de motifs d’impression circulaires faits à en appliquant de la peinture sur les extrémités des pots et en les tamponnant sur l’image. Les pots représentés se traduisent en une sculpture, qui est ensuite de peinte au pistolet dans des couleurs vives, tandis que les chiffons, qui sont les résidus du processus de peinture et de confection des sculptures, se transforment en de belles étoffes abstraites, dont deux sont jointes à l’exposition. Pour Sam Falls, l’accent n’est pas mis sur ce qui se trouve dans l’image (ni même dans la réalité), mais sur ce que le spectateur regarde et la manière dont il peut aboutir à avoir sa propre lecture, considérée comme étant tout aussi valable que l’intention de l’artiste. La question que ces œuvres soulèvent, au-delà de la capacité d’un moyen à représenter un objet ou une idée, est la question de la perception elle-même et de la relation que nous avons aujourd’hui par rapport à la photographie à la peinture.

Dans son œuvre, Amanda Ross-Ho utilise une large gamme de formes en tant que véhicules au travers desquels une investigation rigoureuse du langage visuel est intégrée. Elle rassemble des langages et espaces qui semblent s’opposer : les artefacts autobiographiques sont élaborés pour des qualités formelles, tandis que les traces et les résidus du studio de la galerie sont recréés en tant que gestes délibérés. Dans bon nombre de ses œuvres apparaissent des traductions visuelles et des déplacements d’échelle et de temps. C’est le cas dans Untitled Centerfold (CAMERA AUSTRIA), qui a été produit à l’origine en tant que page d’impression pour le magazine Camera Austria et faisait partie d’un portefeuille dont Sharon Lockhart était la commissaire. Les images circulent sur des éléments de photographies, plus particulièrement la relation de l’artiste au moyen via son autobiographie familiale et son histoire personnelle en un geste performatif. De ce fait, la présentation été réalisée en tant qu’œuvre architecturale à pleine échelle, le Centerfold. La seconde œuvre exposée de Ross-Ho, Untitled Hole #2 (Don’t Front), a tout d’abord été réalisée pour faire partie d’un montage pour la galerie Bellwether à New York. Initialement conçue pour être distribuée avec le catalogue accompagnant l’exposition, la composition a ensuite été traduite pour s’intégrer exactement dans l’espace de l’exposition. La photographie en elle-même est une image tirée à l’origine d’un montage dont Ross-Ho a découpé cinq échantillons de base du panneau de gyproc de l’espace de l’exposition et les a utilisés pour construire une boîte au milieu de la pièce. Les orifices qui en résultent fonctionnent comme une représentation bidimensionnelle, approfondissant une discussion sur les tiraillements entre la dimensionnalité, la consommation, l’économie et la perte.